モネは初期には人物画を描いていて、「1章 印象派以前のモネ」で展示された「昼食」（1868‒69年、シュテーデル美術館蔵、日本初公開）は珍しい。「2章 印象派の画家、モネ」では「モネのアトリエ舟」（1874年、クレラー＝ミュラー美術館蔵）が目を引きました。屋根がある小さな船に乗って、絵を描いていた時期があったようです。
また、連作は睡蓮以外にもあり、「3章 テーマへの集中」では、「プールヴィルの断崖」（1882年、東京富士美術館蔵）と「プールヴィルの断崖」（1882年、トゥウェンテ国立美術館蔵）は、同じ景色を描いています。また、「ラ・マンヌポルト（エトルタ）」（1883年、メトロポリタン美術館蔵）と「エトルタのラ・マンヌポルト」（1886年、メトロポリタン美術館蔵）は、同じ風景を同じ角度から数年後にまた描いていますが、飽きないのでしょうか。なお、「プールヴィルの漁網」（1882年、デン・ハーグ美術館蔵）は、モネらしい筆致で好きです。
「4章 連作の画家、モネ」の「ウォータールー橋、曇り」（1900年、ヒュー・レイン・ギャラリー蔵）、「ウォータールー橋、ロンドン、夕暮れ」（1904年、ワシントン・ナショナル・ギャラリー蔵）、「ウォータールー橋、ロンドン、日没」（1904年、ワシントン・ナショナル・ギャラリー蔵）で描かれているロンドンのウォータールー橋は、なんと41作も描いているとのこと。それよりも、「テムズ川のチャリング・クロス橋」（1903年、吉野石膏コレクション蔵）が私は好きです。
「5章 「睡蓮」とジヴェルニーの庭」はいよいよ睡蓮で、作品名に睡蓮に入る作品だけでも６点が展示されました。作品のサイズが大きい。このエリアは写真撮影OKの作品が多かったのですが、撮影禁止だった「睡蓮」（1907年、和泉市久保惣記念美術館蔵）は、奈良県立美術館に出展された「睡蓮」（1918-19年、マルモッタン・モネ美術館蔵）ほどのインパクトはありませんが、なかなか大胆な作品で気に入りました。

ピーターラビットは、イギリスの女性絵本作家ビアトリクス・ポターが、元家庭教師の息子のノエル・ムーアを元気づけるために描いた手紙が原点です。この絵本の世界観をよく知らなかったのですが、ピーターラビットのお父さんがパイにされてしまったので、まったく姿が描かれていないなど、設定もユニーク。
第１章「ピーターラビット誕生以前」では、ビアトリクス・ポターが描いたウサギの写生やスケッチなどが展示され、以前からウサギが好きだったようです。
第２章「ピーターラビットのおはなし」では、私家版初刷（1901年）を経て、1902年に初版がフレデリック・ウォーン社から『ピーターラビットのおはなし』が発行されました。絵本のサイズが小さい。挿絵原画も展示されていますが、当時出版にあたって削除された挿絵は2010年に再制作されました。
第３章「ピーターラビットと仲間たち」では、ウサギ以外のキャラクターも誕生。『ピーターラビットの塗り絵帖』初版（1911年）も出版されました。
第４章「広がるピーターラビットの世界」では、早くもピーターラビットのぬいぐるみの特許を取得（1903年）。ドブネズミのように色が濃くて、自宅にいるピーターラビットのぬいぐるみとはかなり違います。関連事業への展開が見事で、経営感覚が鋭い。ピーターラビットの追いかけっこゲーム（1919年頃）は、人生ゲームのようなボードゲーム。残念ながら商品化はされなかったようです。現在では、ピーターラビットのチェスセット（2008年）、ピーターラビットひな人形（2011年）などもあり、関連商品も多彩です。

日本への伝播も興味深く、日本に初めて紹介されたのは『日本農業雑誌』第２巻第３号（1906年）に掲載された「悪戯な小兎」で、意外に早い。続いて、児童雑誌『幼年の友』第７巻第２号（1915年）に掲載された「ピータロー兎」。四匹のウサギがいて、太郎、二郎、三郎、ピータ郎というネーミングが明らかに不自然で笑えました。『ピーターラビットのおはなし』の日本語版初版は1971年です。なお、大東文化大学にビアトリクス・ポター資料館（埼玉県東松山市）があるのは知りませんでした。また、ピーターラビットは２回映画化されています。「ピーターラビット（原題：Peter Rabbit）」（2018年）と「ピーターラビット２/バーナバスの誘惑（原題：Peter Rabbit 2: The Runaway）」（2021年）です。また、英国ロイヤル・バレエ団によって、バレエ映画にもなりました（1971年、作曲はジョン・ランチベリー）。

あべのハルカス美術館は、あべのハルカスタワー館の16階にあります。屋上庭園や60階の展望台（ハルカス300）へのエレベーターも同じ階にあります。現在、日本で最も高いビルですが、来年には「虎ノ門・麻布台プロジェクト」に抜かされそうです。

大阪市立美術館で開催中の「フェルメールと17世紀オランダ絵画展」に行きました。土日祝日は予約優先制でしたが、平日は予約不要でした。ドレスデン国立古典絵画館の所蔵作品から約70点が展示されました。保存状態がいいのか、表面がピカピカ光っている作品が多い。

注目は、フェルメール「窓辺で手紙を読む女」（1657-59年頃）の修復で、修復後に所蔵館以外では世界初公開となりました。本展では、最後の第７章「「窓辺で手紙を読む女」の調査と修復」で展示されています。フェルメールが手紙を初めて描いた作品とのこと。
1979年のＸ線調査で、壁に画中画（キューピッド）が描かれていることは分かっていましたが、フェルメール本人が塗りつぶしたと思われていました。作品の断面を分析した結果、フェルメールが亡くなってから数十年後に塗りつぶされたことが2019年に判明しました。塗りつぶされた理由は不明ですが、当時人気があったレンブラント風に見せるためと推測されるようです。ニスを除去して、丁寧に修復していく過程が映像で紹介されます。
ザビーネ・ベントフェルトによる複製画（2001年）があり、修復前後が比較できます。修復で現れたキューピッドの画中画が大きい。窓よりも大きく、キューピッドは女よりも大きい。あまりに大きいので、ごちゃごちゃした印象を受けました。光が差して、室内は明るい。 なお、ドレスデン国立古典絵画館では「取り持ち女」（1656年）も所蔵しています（2019年の大阪市立美術館「フェルメール展」で鑑賞しました）。

フェルメール以外の作品では、第１章は「レイデンの画家―ザクセン選帝侯たちが愛した作品」。寓意について指摘されて、例えば、ハブリエル・メツー「鳥売りの女」（1662年）に描かれた鳥は売春を意味するとのこと。また、同じメツ―の「レースを編む女」（1661-64年頃）に描かれた猫は、当時は飼うことは不純とされていて、性的な意味があるとのこと。
第２章「レンブラントとオランダの肖像画」は、ミヒール・ファン・ミーレフェルト「女の肖像」（制作年不詳）で、モデルとなった女性は誰なのだろうか気になります。バルトロメウス・ファン・デル・ヘルスト「緑のカーテンから顔を出す女」（1652年）は、瞳の描写が写実的で美しい。
第３章「オランダの風景画」では、ヤン・ファン・ホイエン「冬の川景色」（1643年）が行方不明になっていた時期に、浴槽のフタとして使用されていたという信じられない話。ヘリット・ベルクヘイデ「アムステルダムのダム広場の眺望」（1670–75年頃）は、人々の描写が小さい。
第４章は「聖書の登場人物と市井の人々」。ヘンドリク・アーフェルカンプ「氷上の遊び」（1620年頃）には、ゴルフの原型とされる「コルフ」が描かれています。
第５章「オランダの静物画ーコレクターが愛したアイテム」では、描かれている静物に無意味なものはないと解説され、例えばワインは最後の晩餐を表し、宗教的な意味合いがあるとのこと。ヤン・デ・ヘーム「花瓶と果物」（1670-72頃）は、黒い背景に写真のように精密に描かれています。
第６章「複製版画」は、有名な原画をアルバート・ヘンリー・ペインの白黒版画で複製した作品（1848年頃）。サイズが小さいですが、当時の流行を知るうえで興味深い。

京都市京セラ美術館で開催された「ポンペイ展」に行きました。2007年に「ポンペイの輝き 古代ローマ都市 最後の日」（サントリーミュージアム[天保山]）に行きましたが、ポンペイは日本人に人気があるようです。今回はほとんどがイタリア・ナポリ国立考古学博物館の所蔵で、約120点が出展されました。事前予約制（日時指定）で、QRコードをかざして入場します。なお、当日券でも入場できましたが、ゴールデンウィーク中は入場待ちの大行列ができたとのこと。

約2000年前の紀元後79年に、ヴェスヴィオ山の噴火の火山灰に埋もれたポンペイには、約1万人が暮らしていました。ちなみに、日本はまだ弥生時代で、卑弥呼の前だったようで、文化の水準がまったく違います。
全作品が写真撮影可能でした（フラッシュ撮影は禁止）。説明のキャプションに、発掘された場所が分かるように、小さな地図も載っていて丁寧です。

「序章 ヴェスヴィオ山の噴火とポンペイ埋没」では、オープニング映像で現在のポンペイの街並みが紹介されています。ヴェスヴィオ山も後景に映りますが、また噴火しそうです。「女性の犠牲者の石膏像」はミイラかと思いましたが、石膏像でした。
「1 ポンペイの街−公共建築と宗教」は、「ライオン頭部形の吐水口」や「水道のバルブ」が展示され、すでに上水道が整備されていたことが分かります。ブロンズ製で、状態がいい。
「2 ポンペイの社会と人々の活躍」は、この頃からガラスがあるのは驚きです。「双頭のヘビ形指輪」など、金（鋳造）製の装飾品も精巧です。
「3 人々の暮らしー食と仕事」では、炭化した穀類、炭化したイチジク、炭化した干しブドウ、炭化したパンが、よく残っていると驚きました。「熊手」などは鉄製なので、ボロボロです。ヘルマ柱型肖像（通称「ルキウス・カエキリウス・ユクンドゥスのヘルマ柱」）が大胆。大理石の柱に男性器がついています。
「4 ポンペイ繁栄の歴史」では、ポンペイ最大の邸宅と言われる「ファウヌスの家」からの出土品が多数展示されています。「ナイル川風景」はモザイクでできていますが、せっかく作ったものが床に設置されていたのはもったいない気がします。「葉綱と悲劇の仮面」が立体的。竪琴奏者の家からは、ブロンズ製の「シカ」と「イヌとイノシシ」が出土し、裕福な家だったことが分かります。「悲劇詩人の家」の庭を再現していて、展示方法も凝っています。
「5 発掘のいま、むかし」では、ポンペイの近くにあって、同じく噴火で埋没したエルコラーノ（ヘルクラネウム）は、まだ四分の一しか発掘されていないことが紹介されます。まだまだこれから新たに出土されるかもしれませんね。

京都市京セラ美術館は2020年5月にリニューアルオープンしました。京セラ株式会社と50年間に及ぶネーミングライツ契約を締結しました。改修前にはなかった地下から入場するのが新しい。内装の一部はリニューアル以前のものがそのまま使われています。

大阪市立美術館で開催中の「メトロポリタン美術館展 ―西洋絵画の500年―」に行きました。メトロポリタン美術館のヨーロッパ絵画部門が所有する約2500点の所蔵品から、絵画65点が展示されました。「? 信仰とルネサンス」「? 絶対主義と啓蒙主義の時代」「? 革命と人々のための芸術」の３つのセクションで構成されています。メトロポリタン美術館が改装工事中のため実現したとのことで、館内に自然光を取り入れる「スカイラインプロジェクト」が進行中とのことですが、資料保存上の問題はないのでしょうか。

「? 信仰とルネサンス」は、1400年〜1600年代に描かれた宗教画。フラ・アンジェリコ「キリストの磔刑（たっけい）」（1420〜23年頃）とカルロ・クリヴェッリ「聖母子」（1480年頃）は額縁がユニーク。

「? 絶対主義と啓蒙主義の時代」では、まずヨハネス・フェルメール「信仰の寓意」（1670〜72年頃）は日本初公開。フェルメール初期の作品かと思いきや、意外にも晩年の作品です。背景の絵画が不気味で、右の男性は遠くから見ると坊主のように見えました。地球儀に右足を載せている女性の白い肌とのコントラストがすばらしい。床の大理石も緻密に描かれています。題材としてはあまり面白くありませんが、フェルメールのプロテスタントからカトリックへの改宗を機に描かれたようです。 グイド・カニャッチ「クレオパトラの死」（1644〜55年頃）は、毒蛇に自分の胸を噛ませて自殺しようとしています。ぱっと見ただけではどういうシーンか分かりませんでした。ジャン・シメオン・シャルダン「シャボン玉」（1733〜34年頃）は、題材が珍しい。

「? 革命と人々のための芸術」では、ジャン＝レオン・ジェローム「ピュグマリオンとガラテア」（1890年頃）は、自分が造った大理石像にキスするというロマンティックな作品で、写真のように写実的。 エドガー・ドガ「踊り子たち、ピンクと緑」（1890年頃）は、視力が低下してから描かれたためか、ややぼやけていますが、バレリーナの衣装が緑色なのが珍しく、仕草もかわいらしい。本展覧会で最も新しい作品は、クロード・モネ「睡蓮」（1916–19年）で日本初公開。平面的で、葉の輪郭もありませんが、それでも最晩年の作品ほどの激しくはありません。

なお、入場は日時指定予約制（入館時間が指定）でした。クレジットカード決済で、ＱＲコードを見せて入場しましたが、館内は大変な人だかりでした。当日券でも入場できましたが、入場制限のため長蛇の列ができていました。

横浜美術館で開催された「ヌード展 英国テート・コレクションより」に行きました。イギリスの国立美術館「テート」から、ヌードに関する作品約130点が出展され、ヌード作品の約200年の歴史をたどります。すべての作品が全裸を取り上げているわけではありません。18歳未満は入場禁止だった「春画展」とは違い、小学生以下でも入場可能でした。国際巡回展で、日本での開催は横浜美術館だけでした。
「１ 物語とヌード」「２ 親密な眼差し」「３ モダン・ヌード」「４ エロティック・ヌード」「５ レアリスムとシュルレアリスム」「６ 肉体を捉える筆触」「７ 身体の政治性」「８ 儚き身体」の８つのエリアで構成されました。幅広い作風の作品が出展されました。ヌードを題材として、いろいろな芸術家の作風の違いを楽しめました。

注目は、オーギュスト・ロダンの彫刻「接吻」（1901〜4年）。この作品のみ写真撮影ＯＫでした（珍しい！）。ロダンの大理石像の接吻は３点しかなく、そのうちの１点とのこと。白くて美しい。かなり大きな作品で、下から見上げる感じになるので男女の口元はよく見えません。1913年にイギリスで公開された当時は衝撃的に受け止められ、シーツで覆い被せられたとのこと。重量３トン以上で、横浜美術館のエレベーターでは搬入できず、クレーンで吊り上げて設置したとのこと。

その他に印象的な作品を展示順に挙げると、ハモ・ソーニクロフト「テウクロス」（1881年）は、男性の銅像ですが、男性器は葉っぱで隠されています。アンナ・リー・メリット「締め出された愛」（1890年）は、女性画家による少年のヌード。後ろ姿なので顔は見えませんが、少女ではなくて少年とのこと。ローレンス・アルマ＝タデマ「お気に入りの習慣」（1909年）は、ローマ浴場を描いた絵画。デイヴィッド・ボンバーグ「泥浴」（1914年）は、直線的な幾何学模様で、青と白が人間を、赤が泥の浴槽を描いているようですが、人間が描かれているようには見えません。ヌード以前の問題です。ヘンリー・ムーア「横たわる人物」（1939年）は、曲線美が美しい彫刻。パブロ・ピカソ「首飾りをした裸婦」（1968年）は、一日で描いたとされています。デイヴィッド・ホックニー「C.P.カヴァフィスの14編の詩のための挿絵より」（1966年）は、男性の同性愛を描いた作品。「古い本の中で」と「一夜」が強烈。ルイーズ・ブルジョワ「自然の法則」（2003年）もインパクトが強烈。男女が変な体位で性交していて、どこか「自然」なのかは分かりません。シンプルな描写がリアルな版画です。ジョルジョ・デ・キリコ「詩人のためらい」（1913年）は、大量のバナナが男性器を隠喩。マン・レイ「メレット・オッペンハイム（ソラリゼーション）」（1933年）は、女性の裸体を撮影した白黒写真で、ワキ毛がボーボー。ハンス・ベルメール「人形」（1936年（1965年再制作））は、女性器のスジがリアルすぎる。秘宝館にあってもいいようなクオリティー。スタンリー・スペンサー「ふたりのヌードの肖像：画家とふたり目の妻」（1937年）は男性器がモロに描かれた絵画。イセル・コフーン「スキュラ」（1938年）は、男性器と女性器を隠喩した絵画。シルヴィア・スレイ「横たわるポール・ロサノ」（1974年）は、女性が描いた男性のヌード。デイヴィッド・ヴォイナロヴィッチ「無題（欲望）「蟻シリーズ」より」（1988年）は、男性器がモロに写った白黒写真。シンディ・シャーマン「無題#97」「無題#98」「無題#99」（1982年）は、女性写真家が自らを撮影した写真。

注目は、「? 「バベルの塔」へ」で展示されているピーテル・ブリューゲル１世「バベルの塔」（1568年頃）。24年ぶりの来日です。予想以上に作品のサイズが小さい。作品を最前列で観るために、作品前には長い行列ができました。描かれている人間などは小さすぎて、最前列でもよく見えません。よくこんなに小さく描けるものです。バベル塔の上部は神の怒りで崩壊したと思っていましたが、建設中だったんですね。展示室の隣に、東京藝術大学COI拠点の特別協力で、複製画が展示されていて、実物でよく見えない細部はこちらで確認するしかありません。その隣にある「3DCG映像シアター」では、作品の見どころを動画で説明してくれて好企画でした。
ブリューゲルには「バベルの塔」を描いた作品が２つあり、もうひとつのウィーン美術史美術館所蔵（1865年）のほうがサイズが大きい。「大バベル」と呼ばれていますが、まだ来日したことはないようです。ぜひ「大バベル」も観たいです。なお、地下１階には、大友克洋（漫画家・映画監督）が制作した「INSIDE BABEL」も展示されました。バベルの塔の内部を描いたという発想がユニーク。
「? 16世紀ネーデルラントの彫刻」では、アルント・ファン・ズヴォレ?（1460年頃-1492年にズヴォレとカルカールで活動）「四大ラテン教父：聖アウグスティヌス、聖アンブロシウス、聖ヒエロニムス、聖グレゴリウス」（1480年頃）は、日本の仏像に似た静謐さがあります。作者不詳（南ネーデルラントの彫刻家、1500年頃にブリュッセルで活動?）「十字架を担うキリスト、磔刑、十字架降下、埋葬のある三連祭壇画」（1500年頃）は、精巧ですばらしい。
「? 信仰に仕えて」では、ディーリク・バウツ「キリストの頭部」（1470年頃）は、北朝鮮でよく見かける金正日の肖像画に似ています。作者不詳の作品が多いですが、「枝葉の刺繍の画家」「AMのモノグラムの画家」などの通称で呼ばれているのがおもしろい。
「? 新たな画題へ」では、板に描かれている作品が多く、作者不詳（南ネーデルラントの画家、ブリュッセルで活動?）「風景の中の聖母子（裏面：本と水差し、水盤のある静物画）など、表裏でまったく題材が異なる作品がありました。
「? 奇跡の画家 ヒエロニムス・ボス」で展示されたヒエロニムス・ボスの名前は初めて知りました。多作であったにもかかわらず、わずか約25点しか現存していないとのこと。「放浪者（行商人）」（1500年頃）と「聖クリストフォロス」（1500年頃）が出展されました。「聖クリストフォロス」の後景に描かれている、裸で走っている人、廃墟に見えるモンスター、吊るされている熊が謎めいています。また、「快楽の園」（プラド美術館所蔵）の複写も展示されました。
「? ボスのように描く」は、別人によるボスの模倣作。作者不詳（ヒエロニムス・ボスの模倣）「様々な幻想的な者たち」（1570-1580年頃）は、奇形なモンスターが大集合で、「怖い絵」展よりも怖い。続けて、「? ブリューゲルの版画」に進むと、ブリューゲルはボスの作風を受け継いでいるように感じられます。「魔術師ヘルモゲネスの転落」（1565年）などがよい例です。

なお、地下２階では「コレクション展 風景表現の現在」が開催され、バベル展のチケットで入場できましたが、ぶっとんだ現代作品にびっくり。国立国際美術館に近年収蔵（購入や寄贈）された作品ですが、鴫剛（しぎごう）「無題Ｄ」（1981年）、李禹煥「版画集『廃墟へ』」（1986年）、辰野登恵子（たつのとえこ）の「March-3-98」（1998年）、木村忠太「朝の光」（1985年）、「ポルトガル」（1986年）などが強烈。下道基行（したみちもとゆき）「『torii』より」は、海外にある鳥居の写真で興味深い。ログズギャラリー「DELAY_2008.10.15」（2009年）は映像作品。大阪の夜をドライブした映像が、64画面（8×8）に渦巻状に時間差で映されます。

全体の感想を先に書くと、期待したほどではありませんでした。怖い絵＝名画というわけではなく、当時の感覚からしても、怖い絵を購入して部屋に飾りたいと思った人は少なかったことでしょう。画家も売れなさそうな絵を描かなかったと思われます。

展覧会は「第１章 神話と聖書」「第２章 悪魔、地獄、怪物」「第３章 異界と幻視」「第４章 現実」「第５章 崇高の風景」「第６章 歴史」の６つの章からなります。作品横に掲示されている解説に、キャッチコピーがつけられていて分かりやすい。「さあ、お飲みなさい」「お前はもう死んでいる」「どうして。」など、中野京子がつけたと思いましたが、どうやら兵庫県立美術館の学芸員が考えたとのこと。中野京子の解説「中野京子’s eye」も掲出されています。

作品を見てすぐに怖いと感じる作品と、解説を読んで怖さが分かる作品があります。描かれている怖い対象もいくつかにパターン分けできるでしょう。
ヘンリー・フューズリ「オディプスの死」（1783-84年）は、左右の眼球がくりぬかれていますが、ほとんど出血していません。
ジョン・ウィリアム・ウォーターハウス「オデュッセウスに杯を差し出すキルケー」（1891年）も魔女。杯の酒を飲むと、豚に変えられています。
ハーバート・ジェイムズ・ドレイパー「オデュッセウスとセイレーン」も、人魚の姿をした魔女。
ヘンリー・フューズリ「夢魔」（1800-10頃）は、夢に現れる悪魔で、不気味。
ギュスターヴ・ドレ「ダンテ『神曲 地獄篇』〜第13歌「森の中の自殺者たち」」（1861年）は、木に姿を変えられた人間が描かれています。
ギュスターヴ＝アドルフ・モッサ「彼女」（1905年）は、中央に大きく描かれた女性はかわいい顔をしていますが、魔女とのこと。死体の山の上に座っています。
ジョセフ・ライト 「老人と死」（1775年頃） は、老人と骸骨の対面。
ジェームズ・アンソール「1960年の自画像」（1888年）は、死後の自画像を描いていてユニーク。
フランシスコ・ホセ・デ・ゴヤ・イ・ルシエンテス「妄（ロス・ディスパラテス）」の「恐怖の妄」「誘拐する馬」（1815-24年） は、正体不明の怪物が描かれています。同じくゴヤ「戦争の惨禍」の「こんなために生まれてきたなんて」「これはもっと酷い！」「立派なお手柄！死人を相手に！」（1810-20年）は、スペイン独立戦争の惨状。
オディロン・ルドン「エドガー・ポーに」の「眼は奇妙な気球のように無限に向かう」（1882年） は、気球が大きな目玉。
ウィリアム・ホガース「残酷の４段階」の「残酷の報酬」（1750/51年） は、解剖された人間の腸の描写がリアル。
ニコラ＝フランソワ＝オクターヴ・タサエール「不幸な家族（自殺）」（1852年）は、一酸化炭素中毒で自殺しようとする様子を描いていて衝撃的。自殺を描いた作品があったとは驚きです。
「切り裂きジャックの寝室」（1906-07年） を描いたウォルター・リチャード・シッカートは、切り裂きジャック事件（未解決殺人事件）の犯人と疑われている人物とのこと。
フレデリック＝アンリ・ショパン「ポンペイ最後の日」（1834-50年）は、ヴェスヴィオス火山の噴火から逃げる人々を描いています。あまり目立ちませんが、右下に津波も描かれています。
ジャン＝ポール・ローランス「フォルモススの審判」（1870年）は、ローマ教皇フォルモススが、死後に遺体で裁かれたという史実に基づきます。
圧巻は、ポール・ドラローシュ「レディ・ジェーン・グレイの処刑」（1833年）。ロンドン・ナショナル・ギャラリー所蔵の特大サイズで、完成度も存在感もピカイチ。額縁の上に装飾物が付いている絵画を初めて見ました。史実では、ジェーン・グレイが着ていたのは白い服ではなく黒い服だったとか、処刑が行われたのは室内ではなく室外だったなどの解説があります。

なお、まったく怖くない絵もあります。フレデリック・グッドール「チャールズ１世の幸福だった日々」（1853年頃）と、作者不詳（フランス派）「マリー・アントワネットの肖像」（18世紀）は、描かれている人物がその後が怖い運命に遭遇します。

お目当ては、フェルメール「水差しを持つ女」(日本初公開)です。フェルメールの作品と対面するのは「画家のアトリエ（絵画美術）」「マルタとマリアの家のキリスト」「ディアナとニンフたち」「小路」「ワイングラスを持つ娘」「リュートを調弦する女」「手紙を書く婦人と召使い」「ヴァージナルの前に座る若い女」「レースを編む女」「地理学者」「手紙を書く女」「手紙を読む青衣の女」「真珠の耳飾りの少女」に続いて、これで14作目です。フェルメールの作品は34作〜37作とされているので、1/3以上は観たことになります。意外に観てますねえ。

「世界劇場の女性」というタイトルですが、女性が描かれた絵だけではありませんでした。ほぼ年代順の作品展示で、前半（「オランダ黄金時代の幕開け」「風景画家たち」「イタリア的風景画家たち」「建築画家たち」「海洋画家たち」）は暗い色調の絵画が多く、あまり楽しめませんでした。
「静物画家たち」では、フローリス・ファン・スホーテン「果物のある静物」(1628年)とピーテル・クラースゾーン「銀器やグラス、皮の剥かれたレモンのある静物」(1660年)が写真のように写実的ですばらしい。後者はレモンがみずみずしい。

注目のヨハネス・フェルメール「水差しを持つ女」(1662年頃、メトロポリタン美術館所蔵)は、同時代の作品の中でもひときわ明るくて目立ちました。写真で見るよりも室内の壁が青白い。よく見ると女性の手元はあまりくっきりしておらず、緻密さではフェルメールの他の作品には劣ります。女性も思ったよりも若くありません。

「肖像画家たち」の肖像画に興味が惹かれました。いずれもサイズが大きい。当時有名だった画家に多額の報酬を払うことができた裕福な家族の私的な肖像画が、時を経て美術館に収蔵され、こうして日本で見られるとは奇遇です。夫婦が別々に描かれた絵画が二組（四人）ありました。すなわち、イサーク・リュティックハイス「男性の肖像(ピーテル・デ・ランゲ)」「女性の肖像(エリザベス・ファン・ドッペン)」(1655年)とフェルディナント・ボル「ルーロフ・ミューレナールの肖像」「アリア・レイの肖像」(1650年)。夫婦が一枚に収まっているのではなく、別々に描かれているところが意外です。ヘラルト・ファン・ホントホルスト「画家の肖像」「女性の肖像」（いずれも1655年)は描かれた人物が誰なのか分かっているのでしょうか。作品としては、フランス・ハルス「ひだ襟をつけた男の肖像」(1625年)に惹かれました。
上述のフェルディナント・ボル「アリア・レイの肖像」とルドルフ・デ・ヨング「ヴァージナルを弾く女性」(1651年)では、描かれている女性が、頭に黒い帽子（peaked headdress）をかぶっています。最近のたむらけんじの髪型に似ています。当時流行したファッションだったようですが、今見るとかっこいいとは思えません。

ヤン・ステーン「恋の病」（1660年頃）は、玄関先で犬が交尾しています。レンブラント・ファン・レインの作品では、日本初公開の「ベローナ」（1633年）が展示されましたが、フェルメールほどの人気はないようです。

プロローグ?「「すでに、古代において…」風俗画の起源」では、遺跡から発掘された彩色墓碑やオストラコン（石灰岩のかけら）が鎮座していて驚きました。大昔から風俗は描かれていたということでしょう。
絵画には、歴史画＞肖像画＞風景画＞静物画＞風俗画という序列があり、風俗画は最下位に位置づけられていました。後述する「夜のギャラリートーク」でも話されましたが、風俗画にはメッセージが込められていて、「こんなことをしてはいけない」などの教訓を読み取れるとのこと。漠然と作品を眺めているだけでは分かりませんね。

クエンティン・マセイス「両替商とその妻」（1514年）は、卓上の鏡に通行人が映っています。マリヌス・ファン・レイメルスウァーレに基づく「徴税吏たち」（16世紀）もカリカチュアのようで、当時はお金にかかわる仕事はいやしいものと考えられていたとのこと。ピーテル・ブリューゲル１世「物乞いたち」（1568年）は、ギャラリートークの解説によると、彼の数少ない作品で珍しいとのこと。ニコラ・レニエ「女占い師」（1626年頃）は、女性が手相占いに夢中になっていますが、占い師の背後に立つ男が金の鎖を抜いていたり、おんどりが盗もうとしていたりします。ジャン＝バティスト・グルーズ「割れた水瓶」（1771年）は、描かれた少女の処女喪失を意味しているとのこと。
ヨハネス・フェルメール「天文学者」（1668年）は、豊田市美術館で見た「地理学者」（1669年、シュテーデル美術館蔵）と同じ人物が発注したと考えられているようです。描かれている地球儀と書物も特定されているとのこと。全体的に黄色っぽく、服の色が淡い。細部は意外にぼんやりしています。この作品は、ナチス・ドイツに略奪された過去があるようです。

夜間開館特別企画として、18:30から「ルーヴル美術館展　夜のギャラリートーク」が開催されました。講師は潮江宏三氏（京都市美術館長、京都市立芸術大学名誉教授）。申し込みは不要で、マイクとスピーカーを使って移動しながらトークが行われましたが、すごい人数で150人くらいはいたでしょうか。これだけ多くの人が集まるとは予想外だったようで、本当はもっと作品の近くで解説したかったようですが、この人数では無理ということでした。それでも上述したように、有意義な解説が聞けました。
なお、京都市美術館前では「岡崎ときあかり」が開催されました。「京都岡崎ハレ舞台」の一環で、京都市美術館の建物にプロジェクションマッピングが投影されました。

作品名と描かれているものが一致しない作品がいくつかありました。含蓄のあるメッセージが読み解けるのでしょうが、作品名はフランス語なので、フランス語が分かる人ならさらに楽しめるかもしれません。例えば、「呪い」（1931年）は青い空に白い雲が描かれていて、どこが呪いなのかさっぱり分かりませんでした。「白紙委任状」（1965年）は一種のだまし絵です。作品名の意味が分かりませんでしたが、「描かれた女性にやりたいことを認めるもの」という意味らしいです。
いくつかの作品に共通する特徴として、チェスの白い駒のような物体が初期から登場します。「けん玉」（Bilboquet＝ビルボケ）と呼ばれているようです。例えば「博学な樹」（1926年）、「困難な航海」（1926年）、「告知」（1930年）などに描かれています。「無題」（1926年）には、楽譜が貼り付けられています。いずれも擬人化の表現とされているようです。

以下は、印象に残った作品を挙げます。
「嵐の装い」（1927年）や「喜劇の精神」（1928年）は切り絵が貼り付けてあるかのように見えますが、実際は切り貼りではなくきちんと描かれていました。
「新聞を読む男」（1928年）は間違い探しのような作品。上下左右の４コマに同じ部屋の風景が描かれていますが、新聞を読む男が描かれているのは左上の１コマだけです。
「恋人たち」（1928年）は有名な作品のようです。白い布で顔が包まれた男女がキスをしています。
「美しい虜」（1931年）や「人間の条件」（1933年）は、キャンバスの中に、風景が描かれたキャンバスが置かれています。
「凌辱」（1934年）は女性の顔ですが、目が乳首で、口が陰毛になっているエロティック な作品。
「ゴルコンダ」（1953年）は、黒い帽子（山高帽と言うらしい）をかぶって、黒いコートとスーツを着た男性が、直立不動の姿勢で規則正しく並んで、雨粒のように降ってきます。現代の技術なら簡単に大量複製できますが、きちんと描いたところがすごい。ちなみに、ゴルコンダとは、かつて世界一美しいダイヤモンドが採れたインドの都市の名前のようです。
「ピレネーの城」（1959年）は、大きな岩が海岸に浮かんでいて写真のような美しさ。
「空の鳥」（1966年）は、Twitterのロゴ（Twitterバード）のような羽根を広げた鳥が描かれています。

作品を観る前に、「イブニング・レクチャー」に行きました。土曜日の17:00から地階にある講堂で行われます。学芸員がスクリーンを使って見どころを解説します。原稿なしでスラスラ話しました。すごい。この展覧会は３年前から受け入れ準備を始めたこと、先方からの要請でテロ対策のため館内にある消火器を隠していること、館内の湿度や温度のデータを毎日送信している（この日は雨だったので気を使う）ことなど、苦労話が聞けて面白かったです。個々の作品の解説は後述します。

今回の目玉は、フェルメール「真珠の耳飾りの少女」（1665年頃）。2000年にも来日しましたが、相変わらずすごい人気です。この作品を観るためだけの行列や待ち時間ができていたらしいですが、私が行ったときはすぐに観れました。予想よりも小さい絵で、くすんでいます。前述した解説では、描かれている女性は実在せず、代表的なトローニー（モデルが特定できない人物画）と解説されました。映画「真珠の耳飾りの少女」（2002年/イギリス）を観ていたので、実在する人物だと思っていました。なお、オフィシャルサポーターを務める武井咲が「真珠の耳飾りの少女」の衣装に扮しました。けっこうかわいいです。このときに着た衣装が大丸神戸店１階に展示されていました。
フェルメールでもう１点出展されている「ディアナとニンフたち」（1622-1625年頃）は、「フェルメール展 光の天才画家とデルフトの巨匠たち」（2008年 東京都美術館）で観ました。

フェルメール以外では、ヤーコブ・ファン・ライスダール「漂泊場のあるハールレムの風景」（1670-1675年頃）は、カンヴァスの上部７割ほどが空。地平線も見えます。天と地のバランスが悪いと感じましたが、解説によると、平らで山がないオランダの地形が的確に描かれているとのこと。フランス・ハルス「笑う少年」（1625年頃）は、マウリッツハイス美術館では人気の作品のようですが、立ち止まって見ている人は少なかったです。アーブラハム・ファン・ベイエレン「豪華な食卓」（1655年頃）は、中央の金属製の水差しに自画像が描かれています。解説では、レモンが描かれている意味は「人は見た目と違うから気をつけろという教訓」と説明されました。ピーテル・クラースゾーン「燃えるろうそくのある静物」（1627年）は、ろうそくの火が写真のように描かれています。本の字が細かく描かれているのにもびっくり。カレル・ファブリティウス「ごしきひわ」（1654年）は私好みの絵。一羽の鳥が木に止まっています。ヘリット・ファン・ホントホルスト「ヴァイオリン弾き」（1626年）は大きな絵。ヴァイオリンを持った一人の女性が笑っています。ヤン・ステーン「牡蠣を食べる娘」（1658-1660年頃）は、とても小さな絵。かつては「真珠の耳飾りの少女」よりもこちらの娘がヒロインだったとのこと。同じくヤン・ステーン「親に倣って子も歌う」（1668-1670年頃）は、とても大きい。解説では描かれている人物の行ないについて批判的に説明されました。

常設展もついでに見学。「収蔵品展 難波田龍起・舟越保武 精神の軌跡」では、難波田龍起の絵画作品がきわめて抽象的。作品名も「展開Ｂ」「発生Ａ」「西方浄土２」「生の記憶３」とかですごい。「project N 関口正浩」は、「開く旗」「こわばる旗」など、旗の作品でした。

せっかくの機会なので、西本願寺に足を延ばしました。偶然にも御正当（ごしょうとう）の期間中で、「飛雲閣」「経蔵」「書院」が特別公開されました。普段は非公開なのでラッキーでした。飛雲閣は国宝。金閣、銀閣と並んで「京都三名閣」と呼ばれているとのこと。３階建てで、周りを池に囲まれて、とても風情があります。豊臣秀吉の聚楽第を移設したと放送でアナウンスされましたが、確証はないようです。書院は、天井とふすまが金箔で輝いています。一の間、二の間、三の間が圧巻。虎の間は、ミュージアムの映像で見たように、虎の絵が復元されています。あまり大きな部屋ではありませんでした。書院の中にある北能舞台は国宝で、日本最古の能舞台とのこと。京都に住んでいても、まだまだ魅力的な文化財があることに気付かされました。

フェルメール作品は４章「手紙を通したコミュニケーション」の最後に並んで展示されていました。
「手紙を書く女」（1665年頃、ワシントン・ナショナル・ギャラリー）は、若い女性がこちらを向いています。かわいらしい表情です。
「手紙を読む青衣の女」（1663-64年頃、アムステルダム国立美術館）は、アジア初公開。加えて、修復後世界初公開となりました。修復前と比べると作品全体が明るくなりました。予想していたよりも、あまりサイズが大きくない。女は太って見えます。
「手紙を書く女と召使い」（1670年頃、アイルランド・ナショナル・ギャラリー）は、「フェルメール展 光の天才画家とデルフトの巨匠たち」（2008年、東京都美術館）でも展示されたので、今回で２回目のご対面です。３つの作品の中では、この作品が一番緻密に描かれていて、完成度が高い。光の当たり方も見事。

フェルメール以外の作品では、ヘンドリック・マルテンスゾーン・ソルフ「ヤーコプ・ビーレンスとその家族」（1663年、オランダ文化遺産庁）は、台所のような広い空間に家族が集まっています。魚を持っている男性、器を洗っている女性、リンゴの皮をむいている女性、鳩をさばいている女性、チェロを片手に立っている男性など、やっていることがばらばら。室内には物がごちゃごちゃ置いてあります。
アンドリース・ファン・ボホーフェン「テーブルに集うファン・ボホーフェンの家族」（1629年、ユトレヒト中央美術館）は、若くして亡くなったボホーフェンの家族10人が大きく描かれています。家族写真のような作品です。首にフレーズ(円形のひだ襟)をつけています。
ピーテル・デ・ホーホ「女に手紙を読む男」（1670-74年頃、クレマー・コレクション）は、構図がフェルメールによく似た作品。窓際で手紙を読む男は、光が当たらずに暗い。逆に、中央で椅子で座っている女は明るい。陰影が極端なほどつけられています。
エドワールト・コリエル「レター・ラック」（1703年、個人蔵）は、この展覧会で唯一の静物画。写真のようにリアルに書かれています。

ドイツのフランクフルトにあるシュテーデル美術館の所蔵作品95点を展示しています。「歴史画と寓意画」「肖像画」「地誌と風景画」「風俗画と室内画」「静物画」の５つのジャンルに分けて展示されています。背景が暗い絵が多く、何が描いてあるのか相当近づかないと見えません。
フェルメール「地理学者」（1669年）は、フェルメールが珍しく男性を描いた２点中の１点（もう１点は「天文学者」）。写真で見るよりも実物のほうが暗い。光の描き方が抜群で、浮き出て見えます。地球儀にインドが描かれているようですが、よく見えません。右下の直角定規も近づかないと見えません。男性は顔を上げていますが、窓の外に何か見えたのでしょうか。参考として、ファルク「アジア図」（1695年頃）が展示されていましたが、北海道が描かれていませんでした。
肖像画は、眼の光の描き方がうまい。マース「黒い服の女性の肖像」（1968-70年頃）が特にいい。その他の作品では、オスダート「納屋で畜殺された豚」（1643年）は、色彩が鮮やか。ブラウエル「苦い飲み物」（1636-38年頃）は、しかめっ面の男性に笑ってしまいます。バーブレン「歌う若い男」（1622年）は、帽子についた羽根が鮮明。男性も表情があります。ファルケンボルヒ「凍ったスヘルデ川とアントワープの景観」（1593年）は、題材がユニークで、人物描写が見ていて楽しい。

続いて、常設特別展「松井紫朗−亀がアキレスに言ったこと 新しい世界の測定法−」を観ました。松井紫朗は、1960年奈良県生まれ。京都市立芸術大学美術学部准教授を務めています。専門は彫刻のようですが、ゴム製のシリコーン・ラバーを使った作品が多かったです。
「君の天井は僕の床」（2011年）がユニーク。靴を脱いで、筒状のブルーシートの中に入ります。その後、外観を一周することもできます。吹き抜けの「展示室１」をうまく使った作品です。「Aqua Lung Mountain」（2005年）では金魚を泳がせています。多くの作品が「作家蔵」となっていましたが、サイズが大きな作品は普段はどこで保管しているのでしょうか。

最後に、高橋節郎館で高橋節郎の漆工芸作品を観ました。2007年に亡くなった高橋節郎から寄贈された作品を展示しています。漆で黒く塗った板を彫り、金箔をすり込むことで、金色に輝きます。１つの作品を仕上げるのに、多くの工法とかなり手間がかかります。とても緻密に作られています。お盆や屏風だけでなく、グランドピアノや黒いハープも題材にしています。

奈良文化財研究所飛鳥資料館で開催された「キトラ古墳壁画「四神」特別公開」の最終日に行きました。近鉄橿原神宮前駅から直行バスに乗ります。雨天だったせいか、待ち時間なしで入館できました。１ヶ月間に約９万人が訪れたとのこと。
キトラ古墳の壁画に描かれた「青龍」「白虎」「朱雀」「玄武」の四神すべてが一気に公開されました。なかでも「朱雀」は、今回が初めての公開です。極彩色の壁画が描かれている古墳は、高松塚古墳とキトラ古墳だけで、しかも高松塚古墳は「朱雀」が盗掘のため消失しているため、キトラ古墳の「朱雀」は大変貴重です。壁画が描かれたのは藤原京時代（700年頃）とのこと。四神は、映画「鴨川ホルモー」にも出てきたので、愛着があります。
展示室では、壁画が描かれている部分だけを剥がして、ショーケースの中に収まっていました。1983年に壁画の存在が確認され、2004年から2007年にかけて石室から順次取り外されたとのこと。西壁「白虎」、北壁「玄武」、東壁「青龍」、南壁「朱雀」の順に展示されていました。予想以上に壁画のサイズが小さい。壁の全面に書かれているわけではありません。また、泥の汚れのため、絵があまり鮮明に見えません。特に「青龍」は頭しか見えませんでした。図録に掲載されている写真のほうがはるかにはっきり見えました。
せっかく来たので、キトラ古墳にも足を運びました。道路沿いに案内標示がありますが、大々的に案内されているわけではありません。地図がないと分からないでしょう。明日香循環バス「大根田」バス停の近くですが、日曜日は運転していないようです。2002年に建設された「仮設保護覆屋」が立っています。直径14メートルの円墳らしいですが、外からは見えません。2000年に特別史跡に指定されたとのこと。まだ調査中で、図録によれば現在は壁画が描かれていない余白部分が取り外されているようです。

帰路に高松塚古墳に行きました。キトラ古墳よりも後に造営されたと考えられています。現在は復元されて、プリンのような形をしています。壁画は1972年に発見されましたが、国宝に指定されたため公開されていません。女子群像が有名です。保存状態が悪く、カビなどが発生したため修復作業が続いています。代わりに、高松塚壁画館に模写が展示されています。拝観料（250円）を払う価値があるかは微妙です。

また、石舞台古墳にも行きました。蘇我馬子の墓と言われています。入場が有料（250円）でびっくり。石が置いてあるだけかと思っていましたが、堀のある方墳で意外にも広い。石室の下にも入れます。それにしても、石がよく崩れないものですね。

西宮市大谷記念美術館は、阪神本線香櫨園駅から徒歩７分。館内には池のある日本庭園があって風情があります。
アーティストトークは講堂で行なわれました。参加者の95％が女性でした。予定の13:00より少し遅れてスタート。対談相手は朝日放送アナウンサーの上田剛彦。展覧会の主催に朝日新聞社が名を連ねているからでしょうか。蜷川実花が登場。茶髪で髪の長さは肩の辺りまで。紫色のＴシャツに、黒のズボンでした。映画「さくらん」のメイキングＤＶＤで見たときよりもやせた感じです。ステージの檀上のイスに上田と向かい合うように座りました。蜷川は足を組みながら話しました。

上田の質問に蜷川が答えるスタイルでトークが進みました。この日は晴れでしたが、蜷川は自分のことを「晴れ女」「撮影の日もだいたい晴れる」と話しました。西宮市大谷記念美術館の印象は「気持ちがいい」「各部屋に分かれているのでゆっくり見ていただける」「壁がきれい」と話し、気に入ったようです。「設営した日は台風が来た」と話し、会場に着いてから展示レイアウトも考えたようです。「写真集（印刷物）よりもオリジナルプリントのきれいさを見て欲しい」と話しました。
今回の展示作品は約450点ですが、「点数でいうと少ない。いろいろ入れられていない。展示のために絞った」と話しました。「今までに何枚写真を撮りましたかとよく聞かれるが、自分でも分からない」と話しました。デビューして13年となっていましたが、スタッフに聞いたところ「本当は14年らしい。こだわっていないけど」と笑って話しました。展覧会のタイトル「地上の花、天上の色」は、美術評論家松井みどりの評論文に出ている言葉だそうで、「好きな言葉」「気に入っている」「これに決めた」と話しました。
「蜷川実花が撮る写真はどうして色が鮮やかなのか」という質問に対しては、「普通に撮っているとああいう色だった」「気になるものを撮っている」「こういう色を撮るぞと思ってない」「色味の操作はしていない」「色を探しに出かけてるわけではない」と話しました。「作っても、あるものを撮っても、色味の割合が同じだったので、色の好みは同じ」。また、「花を撮るときは触らないことをルールにしている」「人を撮るときは「撮っていいですか？」とは言わない。相手が意識しちゃうので。隠し撮りだけど、人が不快になるのはいや。そのために自分の気配を消す」と話しました。
写真を撮るようになった経緯については、「クリエイティブなことがしたかった。何でもよかった。写真は性に合っていた。おもしろい」と話しました。まったくの独学で、本を読んで勉強したとのこと。ミスはいろいろあるようで、撮影中にフィルムの入れ忘れに気がついたこともあったとのこと。この日も新幹線に携帯電話を忘れたようで「日常生活はひどい」と話しました。大学４年生のときに、「会社勤めは無理」と感じて、写真家になる決意をしたとのこと。
影響を受けた人は、横尾忠則。また、マンガやゲーム、ドラクエなどからも影響を受けることが多く、プレステ１は発売初日に買ったとのこと。マンガ雑誌「コーラス」を毎月買っていて、家にはマンガの部屋があるとのこと。父親（蜷川幸雄）の存在も大きく、「ものを作る姿勢」や「パワフルさ」は影響を受けているようです。また、子供の影響もあると話しましたが、「私生活と写真はつながっていない」と話しました。
展示作品について説明。全体で「花」「初期 1995〜2002年」「金魚」「造花」「旅」「人」「旅」「新作 2007〜2008年」の８つのセクションに分かれています。上述したようにセクションごとに展示されている部屋が分かれているのも特徴です。詳細は後述します。
「フィルムにこだわる理由」は、「フィルムのほうがきれい」「デジタルだと撮影した写真がすぐに見れてしまう」「後で処理すればどうかなる。（フィルムの）取り返しがつかない緊張感が性に合っている。精神的な理由が多い」と話しました。「今後撮りたい人は誰ですか」の質問には「誰でも撮りたい」と回答。
最後は、今後の予定について。映画は「大きなことなので進まない」「やる気はある」「もう１本撮りたい」と話しました。どうやら構想は進行しているようですが、まだ発表できる段階にはないようです。新作「Noir」は写真集を出す。海外で出版された写真集が逆輸入される、など。京都にある蜷川実花写真館（京都極楽堂書店）で展覧会「MIKA NINAGAWA EROTIC TEACHER×××YUKA」が開催中。清水寺の近くにありますが、「変な場所」「まだ行ったことない」と話しました。
14:15に終了。１時間ほどでした。気取らない感じで話しました。いつも自然体なのでしょう。蜷川実花は早口でよくしゃべりました。ボキャブラリーも豊富で楽しめました。

アーティストトークが終わってから、展示をゆっくり見ました。建物は２階建て。順路は特になく、気に入った写真を何回も見ることができました。
アーティストトークで話されたように、写真の配置レイアウトが工夫されています。館内はいくつかの部屋に分かれていますが、各部屋にテーマを割り当てていて、テーマ性がはっきり分かる展示で、カタログを見ているよりおもしろい。
写真パネルは全体的に大きなサイズでした。また、カタログよりもパネルのほうがより鮮やかに見えます。あまり難しいことを考えずに、自由に撮影している印象を受けました。

＜初期 1995〜2002年＞
『portrait』『Happiness』『17 9 '97』『Baby Blue Sky.』『Pink Rose Suite』『a piece of heaven』からの出展。アーティストトークで蜷川は「ほとんど発表していない。本になってない」「がむしゃらに撮ってた」「まぶしい」「素直でいい写真」と話しました。今と変わらないところは「気持ちを込めて撮っていること」、逆に変わったところは「うまくなった」と話しました。
最近の作品と比べると、まだコンセプトが定まってない感じです。あえてピントをぼかしてブレて撮影した写真もあります。女性が上半身ヌードで写っている白黒写真があります。本人と思いましたが、どうやら妹らしいです。

＜花＞
写真集『Acid Bloom』からの出展。アーティストトークでは、「鮮やかさは技術的にどう撮るか」という質問に対して、「鮮やかに見える状態を撮るだけ」「どれだけうっとりしながらシャッター押せるか」と答えました。「「虫を呼べる女」と言えるほど気配を消せる。被写体の近くで撮ることができる」「「撮ってやる」という態度では、挑発的で恐がってしまう。私はオーラの出し入れができるので、リラックスしてもらう。「いいところを撮らせてもらっている」という気持ちが大事」「その場になじめるのが特技で、海外で（現地の人と間違われて）よく道を聞かれる」と話しました。出品作品リストに掲載されている蜷川のコメントには「溶けていく輪郭、どんどん曖昧になっていく境界線。私が花なのか、花が私なのか。」とありますが、その意味は「自分の輪郭が消せるほど、草花になる」と話しました。
写真を見ると、確かに虫が多く撮影されています。花に止まっている虫を接写できているのは気配を消せているからでしょう。色も実に鮮やか。

＜金魚＞
写真集『Liquid Dreams』からの出展。上田が「居心地がいい部屋」と絶賛。香港の金魚ストリートで撮影したが、金魚屋に怒られたとのこと。「なぜ金魚か」という質問には「金魚は奇形させている。改良しているが金魚には負担になっている」と話しました。人工的に作られて美しさがあるということでしょう。蜷川は家でも金魚を飼ったことがあり、「金ちゃん」「銀ちゃん」と名前をつけていたが、すぐに死んだとのこと。
暗い部屋で、中央のスクリーンで金魚の映像を上映されています。カメラを構える蜷川の影もちらっと映るほど、かなり接写で撮影されています。スクリーンの両サイドには金魚の写真が水族館の水槽のように展示されています。金魚は映画「さくらん」にも登場したので、蜷川にとって重要なテーマと言えます。

＜旅＞
写真集『floating yesterday』からの出展。白い机一面にマッチ箱サイズの写真がぎっしり並んでいます。展示品450点の大半を占めています。せっかくなので大きくしてじっくり見たかった気もします。

＜人＞
芸能人や歌手などを撮影した写真。部屋の床もカラフルなタイルでおしゃれ。写真の背景や小道具もおもしろい。
「人」の部屋の隣に「ポートレート」の部屋があり、壁一面に写真集や雑誌に掲載された写真がぎっしり貼られています。ものすごい数です。この「ポートレート」の写真はカタログには収録されていません。
椎名林檎は『風とロックとユナイテッドアローズ』（2006年11月発売）に掲載されたティーカップを持ってソファに横になっている写真でした。
椎名林檎以外にも私が知っている人の名前だけでもこれだけいます（五十音順）。蜷川実花が撮影した人がこんなに多いとはびっくり。けっこう昔に撮影された若い頃の写真もありました。
相武紗季、浅田舞、安達祐実、AKKO（MY LITTLE LOVER）、安室奈美恵、綾瀬はるか、杏、安野モヨコ、井川遥、忌野清志郎、岩佐真悠子、上野樹里、上戸彩、上原多香子、大塚愛、大宮エリー、小栗旬、乙葉、鬼束ちひろ、香椎由宇、川上未映子、貫地谷しほり、菅野美穂、韓英恵、菊地凛子、菊川怜、北乃きい、北野武、木村カエラ、木村佳乃、栗山千明、黒木メイサ、小池栄子、小泉今日子、後藤久美子、佐藤江梨子、沢尻エリカ、椎名林檎、鈴木蘭々、ソニン、田中麗奈、谷村美月、タナダユキ、田畑智子、千秋、Chara、土屋アンナ、妻夫木聡、鶴田真由、寺島しのぶ、戸田恵梨香、中島美嘉、中川翔子、長澤まさみ、永瀬正敏、中谷美紀、中山美穂、仲里依紗、成宮寛貴、蜷川実花、長谷川京子、PUFFY、引田天功、平山あや、hiro、深田恭子、福田沙紀、ベッキー、堀北真希、松たか子、松田龍平、松平健、松山ケンイチ、松雪泰子、真矢みき、水川あさみ、三船美佳、美波、南明奈、宮崎あおい、宮本笑里、美輪明宏、村治香織、MEGUMI、持田香織（Every Little Thing）、安田美沙子、吉川ひなの、吉高由里子、吉田美和、りょう、梨花

＜造花＞
写真集『永遠の花』からの出展。海外で撮影された造花です。土葬された墓に手向けられた造花で、枯れないような色彩が魅力とのこと。蜷川実花は「墓の間に寝転がって撮影しているが、撮ってる絵面（えずら）は結構ばかばかしい。撮っている姿を想像して見ると楽しめる」と話しました。
写真を見ましたが、造りものに見えません。「永遠の花」という表現もいい。ゾクッとしました。色あせてしまったものや欠けたりしてるものもあります。このシリーズはもっと見たいですね。

＜新作 2007〜2008年＞
最新作『Noir』からの出展。「ノアール」とはフランス語で「黒」のこと。「タイトルを考えるのは苦手」とも話しました。『アサヒカメラ』編集長から「蜷川実花っぽくなくていいよ」というリクエストで始まって、世界各地で撮影したとのこと。「蜷川実花らしくないシリーズ」と話しました。永遠のテーマである「生と死」について迫ったとのこと。ちなみに「『アサヒカメラ』編集長を息子が見ると泣く」と話しました。
「黒」というタイトルのとおり、色彩も被写体も暗くダークな感じ。蜷川らしくないというよりは、写真のメッセージ性がより強まって、より独創的になりました。ドキッとする写真もいくつかありました。写真集になったらおもしろそうです。

美術館の入り口に、サイトスタンパーが設置されていて、携帯電話と触れるだけで蜷川実花オフィシャルモバイルサイト「ninamikaモバイル」にアクセスできます。「ご来場特典」として、無料待ち受け画面とコメントが見られます。

関連イベントとして、「京都市交響楽団ミュージアム・クインテット」（弦楽五重奏）による「ルーヴル美術館展記念コンサート」が、京都市美術館２階南展示室で開催されました。チケットの半券提示で入場無料です。定員は200名程度でしたが、立ち見も出ていました。
司会は京都市美術館副館長の松木裕治。選曲が凝っていて楽しめました。アヴェ・マリア３部作（カッチーニ、グノー（Ｊ．Ｓ．バッハ編曲）、シューベルト）の後に演奏されたのは、ラヴェル作曲／亡き王女のためのパヴァーヌ。ラヴェルがルーヴル美術館で見たベラスケス作「王女マルガリータの肖像」（1654年）にインスピレーションを受けて作曲したとされています。ホルスト作曲／木星、サン＝サーンス作曲／白鳥に続いて、ボロディン作曲／だったん人の踊り。この「ルーヴル美術館展」のテーマ曲とのこと。アンコールは、ユベール・ジロー作曲「パリの空の下」でした。

「巨匠ピカソ 愛と創造の軌跡」（国立新美術館）
国立新美術館は故・黒川紀章の設計で、2007年に開館しました。入口で手荷物検査を受けてから中に入りました。
初期から晩年まで約170点の作品を展示。図録の解説では、「青の時代」「バラ色の時代」「分析的キュビスム」「総合的キュビスム」「シュルレアリスム」「超現実主義的」と時代によって区分されています。ピカソが交際や結婚した女性関係が作品に影響していることに着目した企画です。女性遍歴が詳細に解説されていて、確かに作風に揺れ動きがあることが分かります。エヴァ・グエル、オルガ・コクローヴァ、マリー＝テレーズ、フランソワーズ・ジロー、ジャクリーヌ・ロックなどの女性とかかわり、有名な「ドラ・マールの肖像」（1937年）などではモデルとして描かれています。
印象に残った作品として、「マンドリンを持つ男」（1911年）は分析的キュビスムが全開。マンドリンも男も判別不能です。また切り絵で作られた「ギター」（1913年）や、金属を曲げて彩色した「バイオリン」（1915年）もすごい。ブロンズの「オレンジを持つ女」（1934年）は、左右の腕の位置が異なります。
「パリ・国立ピカソ美術館所蔵　ピカソ展 −躰〔からだ〕とエロス−」（2004年 東京都現代美術館）にも出品された作品が含まれていました。「襟飾りの女」（1926年）、「画家とモデル」（1926年）、「白い背景の裸婦」（1927年）、「肘掛け椅子の女」（1927年）、「大きな水浴の女」（1929年）などですが、見たことを覚えているほどインパクトが強烈だったということです。「海辺の人物たち」（1931年）は描かれている２人の表情が幸せそうで、私の好きな作品のひとつです。「朝鮮の虐殺」（1951年）は朝鮮戦争を題材にしています。晩年の作品は粗くなるので、中期の作品が好きですね。

「巨匠ピカソ 魂のポートレート」（サントリー美術館）
サントリー美術館は2007年にオープンした東京ミッドタウンの３階にあります。館内の内装が木でできています。
ピカソの自画像をはじめとする肖像画を展示しています。展示品は約60点と少なめ。自画像が何点か出展されていますが、見たことがない作品ばかりでした。
ピカソ以外の人物が書かれた作品では、「カザジェマスの死」（1901年）は精巧な描写が写真みたいです。キュビスム時代に作られた「口髭の男」（1914年）は切り絵が貼られています。「ピエロに扮するパウロ」（1925年）は妻オルガとの子パウロがかわいく描かれています。「画家とこども」（1969年）や「接吻」（1969年）が強烈。最晩年の作品「若い画家」（1972年）は回想された自画像。帽子をかぶっていてかわいらしい。さらに、ピカソの分身として生み出されたミノタウロス（ギリシャ神話に登場する牛頭人身の怪物）が描かれた作品もあります。

椎名林檎が何を撮影したのか興味津々でした。リンゴなどを予想していましたが、意外にも顔写真が白黒写真で３枚でした。左から「節子様」「木村様」「梨乃様」の３枚です。椎名林檎とともに活動している関係者のようです。ちなみに、椎名林檎の肩書きは「音楽家」でした。
「節子様 中学生以来の関係性。彼女は現在わたしのマネージャー。」は、椎名林檎と同年代の若い女性が映っています。おそらくマネージャーの川瀧節子さんでしょう。
「木村様 デビュー以来の関係性。彼は、現在もわたしのジャケットデザイナー。」は、木村豊さんと思われます。椎名林檎と創造（クリエイション）チーム「白と黒」を結成して、「ユニクロ UT」からオリジナルＴシャツを発売しました。1967年生まれなので40代ですが、写真はけっこう若いです。椎名林檎が撮影した写真ではないのかもしれません。
「梨乃様 高校生以来の関係性。彼女は初めて組んだバンドのドラマー。」は、ロレッタセコハンの元メンバー時津梨乃さんでしょう。歯を食いしばるようにして笑っています。「初めて組んだバンド」とは「Marvelous Marble」（マーブルス マーブル）のこと。椎名林檎（当時は本名の椎名裕美子）のヴォーカルで、1995年「第9回 TEENS' MUSIC FESTIVAL」全国大会に出場し、奨励賞（ひたむき賞）を受賞しています。
また、添えられた椎名林檎のメッセージが思慮深い。「被写体との間の刹那のやり取りが切り取られているものだけを、わたしは写真と呼びます。」と記しています。「被写体との間の刹那のやり取り」とは、具体的には会話であったりアイコンタクトであったりというところでしょうか。写真をやや哲学的に定義づけています。
なお、椎名林檎の楽曲で、歌詞に「写真」が登場する曲があります。「ギブス」（1999年）の歌い出しで、「あなたはすぐに写真を撮りたがる あたしは何時も其れを厭がるの だって写真になっちゃえば あたしが古くなるじゃない」です。私も大好きな曲ですが、この歌詞をストレートに受け取ると、写真を撮影して残すよりは、常に新しい自分と向き合ってほしいというメッセージでしょう。だからといって椎名林檎は写真が嫌いなのかと言うとそうも言い切れません。理由は、椎名林檎が自ら撮影した写真がＣＤジャケットに使用されているからです。「無罪モラトリアム」や「少女ロボット」（ともさかりえ）で使用されています。

ゲストでは他に、浅野忠信（俳優）、忌野清志郎（バンドマン）、竹中直人（俳優・映画監督）などの写真が出展されています。坂本龍一（音楽家）は音楽で参加、吉永小百合（女優）は自筆の文章が展示されていました。特に印象に残ったのは、深津絵里（女優）。作品名は「3484」。自らを映した3484枚の写真をモザイクのように貼って、大きなカメラの絵を作っています。アイデアがいいですね。サイズも大きいのでインパクトがありました。また、UA（アーティスト）の「銀河の活性化」（2008年）は、男性の尻と妊婦の腹を並べて展示するという意外性がおもしろかったです。
写真家では、椎名林檎を撮影したことがある平間至と蜷川実花が出展しています。平間至の「母子」（1967年）は、幼少期の裸の平間が母に抱かれていますが、表情と構図がいい。「在来線でいこう」（2008年）はよく分かりませんでした。また、蜷川実花の「無題」（2008年）は、花が色鮮やか。小林伸一郎の「少年石膏像」（2006年）は、廃墟の学校？を撮影しています。
また、ネガ（コンタクトプリント）が机に置かれていて、ルーペで拡大して見ることができます。展示作品の前後のコマに何が撮影されていたのかが分かっておもしろいです。展示作品以上に出来がいいと思える写真もありました。
フィルムカメラとデジタルカメラの写真の違いまでは分かりませんでした。佐治晴夫（宇宙物理学者・理学博士）は、その違いをレコードとＣＤに例えて説明していますが、写真にはレコードとＣＤのような劇的な変化はないように感じました。フィルムカメラのほうがシャッターを押してから現像されるまでの緊張感はあるでしょうが、すぐに撮影結果を見ることができて、パソコンで加工やデータの送受信もできるデジタルカメラに太刀打ちするのは難しいでしょう。携帯電話にもカメラ機能がついている時代なので、写真の芸術性は薄れていってしまうのではないでしょうか。

出展作品数は40点と少なめ。場内に順路はなく、１階と２階は自由に行き来できました。掲示されている解説が充実しているので、予備知識がなくても楽しめるでしょう。
フェルメールの７作品は、２階に展示されています。展示順に紹介しましょう。実物は写真で見るよりも青白かったです。

「マルタとマリアの家のキリスト」（1655年頃 スコットランド・ナショナル・ギャラリー所蔵）
日本初公開。フェルメール初期の作品で、最初に描いた作品の可能性もあるとのこと。表情がいきいきとしていて、写真で見るよりも立体的に浮き出て見えました。静止画とは思えません。洗浄後にフェルメールのサインが発見されたとのこと。左下の腰掛けに署名が書かれていますが、小さいのではっきり確認できませんでした。

「ディアナとニンフたち」（1655-1656年頃 マウリッツハイス王立美術館所蔵）
1968年と1984年に続いて３度目の来日です。フェルメール唯一の神話画です。右上には重ね塗りで青空が描かれていましたが、洗浄によって除去されました。画面が暗くなって物足りなく感じてしまうので、前の方がよかったかもしれません。

「小路」（1658-1660年頃 アムステルダム国立美術館所蔵）
日本初公開。「デルフトの眺望」（マウリッツハイス王立美術館所蔵）とあわせて、フェルメールで２点しかない都市景観画。描かれた場所はデルフトと推測されていますが、特定されてないとのこと。フェルメール作品で唯一こどもが描かれていますが、小さく描かれているのと、後ろ姿なのでよく分かりませんでした。また、左の戸口に女性が描かれていたようですが、黒く塗り潰されたことが分かっています。

「ワイングラスを持つ娘」（1659-1660年頃 アントン・ウルリッヒ美術館所蔵）
日本初公開。女性が困った顔で鑑賞者を見つめています。右の窓のステンドグラスに手綱を手にした女が描かれているとのことですが、実物ではぼやけて見えませんでした。

「リュートを調弦する女」（1663-1665年頃 メトロポリタン美術館所蔵）
2000年に続いて２度目の来日。かつては「ギターを弾いている」と見られていましたが、最近では「リュートを調弦している」と考えられているようです。女性は窓の外を鋭い視線でにらんでいるようです。右上の地図は描いたとは思えないほど精密です。絵に貼ってあるように見えました。

「手紙を書く婦人と召使い」（1670年頃 アイルランド・ナショナル・ギャラリー所蔵）
日本初公開。過去に２回盗難に遭っているとのこと。窓から差し込む明るい光の当たり方が見事。

「ヴァージナルの前に座る若い女」（1670年頃 個人蔵）
日本初公開。フェルメール唯一の個人蔵作品。所有者は非公開とのこと。2004年にフェルメールの真作と判断されました。フェルメール最後の作品と見られることもあるようです。サザビーのオークションで約33億円（！）で落札されました。そこまでの巨額を投じて手に入れようとは思いませんでした。作品のサイズが小さくてびっくり。食い入るように鑑賞しました。他のフェルメール作品と並べて見ても、完成度は劣らないのでほぼ真作と言ってもいいでしょう。黄色い衣装の女性がかわいいです。

１階と３階には、フェルメール前後に活躍した画家の作品が展示されています。フェルメールが活躍したデルフトは多くの画家を輩出していて、建築、透視法、表現豊かな空間、自然光の利用など、デルフト様式（またはデルフト・スタイル）と呼ばれる作風が見られます。しかし、フェルメール作品の完成度には及びません。フェルメールの作品は、他の画家よりも輪郭がはっきりしていて解像度が高いです。フェルメールを見たあとでは、他の画家はかすんでしまいました。似たような構図やテーマが多く、いずれも遠近法に工夫を凝らしています。
１階に展示されているフェルメール以前の作品では、まずハウクヘースト「ウィレム沈黙公の廟墓があるデルフト新教会」（1651-52年）。教会柱の日の当たり具合がいいですが、遠近法が不自然なので、あまり好きになれませんでした。デ・ホーホ「アムステルダム市庁舎、市長室の内部」（1663-65年頃）は、透視法の不都合を隠すために左上に描かれたという大きなカーテンにびっくり。デ・ホーホは、フェルメールに大きな影響を与えたとされています。ファン・デル・プール「デルフトの爆発」（1654年頃）は、1654年10月12日午前10時半に起こった火薬倉庫爆発で壊滅したデルフトの街を描いていますが、保存状態の悪化で展示見送りとのこと。見てみたかったです。残念。
３階に展示されているフェルメール以降の作品は、フェルメールの影響を受けて描かれていて、よく似ています。上述したようにフェルメールよりも完成度が落ちるので、あまり魅力を感じませんでした。デ・ウィッテ「ヴァージナルを弾く女」（1665年頃）は、フェルメールの「音楽の稽古」（イギリス王室コレクション所蔵）などにかなり似ています。

最近の研究では、Ｘ線写真を撮影したり洗浄したりすることで、作品が描かれた過程を知ることができるようになりました。洗浄によって偽の画家の署名が消えて、本当の署名が姿を現すことがあるようです。絵を買わせるためとはいえ、なかなか悪質です。フェルメール作品の過程では、画中の登場人物や静物の性格や特徴を明らかにするよりも、むしろ削除したり塗りつぶしたりすることによって曖昧にする傾向があるようです。鑑賞者に自由に推測させたいということでしょうか。
フェルメール作品で年期が入った作品は、「取り持ち女」（1656年 ドレスデン国立美術館コレクション所蔵）、「天文学者」（1668年 ルーヴル美術館所蔵）、「地理学者」（1669年 フランクフルト・アム・マイン市立美術館所蔵）の３点しかありません。それ以外の作品の製作年は推測です。「真珠の耳飾りの少女」（マウリッツハイス王立美術館所蔵）に描かれたモデルも不明です。また、フェルメールの師はレオナールト・ブラーメル、パトロンはピーテル・ファン・ライフェン、という説がありますが、詳細はまだ分かっていません。今後の研究成果に期待したいです。
日本でフェルメールがブームになったのはつい最近で、2000年頃からとのことです。今後もフェルメール作品の来日に期待したいです。「デルフトの眺望」と「音楽の稽古」は見ておきたいですね。

マヤ文明
密林の中に神殿が突如そびえ立っているのがすごい。マヤ文明はひとつの統一国家ではなく、複数の王が存在する国家からなる多国家連合です。太陽の運行を元に１年を365日とする暦と、260日暦を持っていて、両方の暦を組み合わせた18,980日（52年）からなる大周期「カレンダー・ラウンド」を使用していました。また、金星暦（584日）を存在したとのこと。望遠鏡もなかった時代なのにびっくり。マヤ文字は、文字というよりも絵のようです。これを解読した人は本当にすごい。

アステカ文明
テスココ湖の島に建設されたテノチティトランを中心に栄えた文明です。最盛期のテノチティトランの人口は20〜30万人で、同時代のロンドンよりも多かったとのこと。有名な生贄の儀礼は、オルメカ文明あたりから2000年以上にわたって続いてきた風習とのこと。アステカ文明では多いときには数千人が生贄になったとのこと。それは、世界の自然な運行は、生贄の心臓と血によって人間の自己犠牲の上に保障されるとの考えによります。そのため、捕虜を安定的に供給するための戦争を行なっていたようです。また、王が自らの身体を傷つけるための道具が展示されていました。王は失神状態で神と交信したとのことです。

インカ文明
マヤ文明やアステカ文明と違って、インカ文明は金属器を製作していました。しかし、スペインが征服後に持って帰ったのでほとんど残っていないとのこと。この展覧会では、かわりにモチェ文明（紀元前200年〜紀元後600年）の金属器を展示していましたが、どれも絢爛豪華な輝きを放っていました。反面、文字を持たない文明で、キープと呼ばれる縄に結び目を作って数を記録していました。言語に類する情報も記録されていたのでないかと考えられています。
有名なマチュピチュ遺跡は見る者を魅了しますが、この展覧会では、第９代の王パチャクティの別荘で子孫に受け継がれた私領であるという見解を採用していました。発掘したハイラム・ビンガムは、マチュピチュをインカ最後の都と考えたようですが、現在では否定されています。生活していたのは500人程度とのこと。インカ道（カパック・ニャン）についてビデオで紹介していました。総延長38,600キロに及ぶ道路が整備されていました。
同じ地に栄えたナスカ文明との関連性も指摘できるでしょう。土器のデザインがよく似ています。また、頭蓋骨を変形させたり、治療のために頭蓋骨に穴を開けたりするのはナスカ文明と同じです。ミイラも展示されていました。インカ王のミイラは現存しませんが、ペルー南海岸で栄えたチリバヤ文明（紀元900年〜1440年）のミイラが展示されていました。イヌやクイ（モルモット）のミイラもあってびっくり。インカ文明では食べ物や飲み物が与えられて輿に乗るなど、ミイラが生前と同様の扱いを受けていたとのことです。
ピサロが征服に来たときは、アタワルパとワスカルが王位継承戦争をしていたとのこと。不運ですね。

また、メソアメリカ文明史として、巨石人頭像で有名なオルメカ文明（紀元前1500年〜前300年）の出土品も展示されていました。ベビーフェイスの土偶が、東洋人風の顔立ちで印象に残りました。

その後、近くにあるサントリー山崎蒸溜所へ。1923年に開設された日本初のウイスキー蒸溜所ですが、ウイスキー製造工程の見学が無料で行なわれているということで参加。行ってみると、なんと100人以上が参加。びっくり。
見学ツアーは、ウイスキーの製造工程を順番に紹介。まず、仕込み。この時点では、まだアルコールが入っていないということですが、建物の中に入っただけでものすごく甘いにおいがしました。発酵に続いて、蒸溜。大きな機械で蒸溜されたウイスキーの原酒は、なんと無色透明でした。そして、貯蔵。貯蔵庫には大きな樽が所狭しと積み上げられていました。樽を置いた場所によってもウイスキーの風味が変わるとのこと。奥が深い。貯蔵庫は少しひんやりしていましたが、冷暖房の設備はないとのこと。最後にブレンダーを経て、製品になります。
驚いたのは、製造工程がほぼ全部機械化されていたこと。手作業で製造しているようなイメージがあったのですが、作業員らしい姿は見当たりませんでした。また、ガイドの女性は、説明原稿なしでツアーを引率していました。なかなかすごい。
見学後は、サントリーシングルモルトウイスキー「山崎」12年とサントリーウイスキー「響」（17年）を試飲。「響」のほうが「山崎」よりも甘いという説明がありましたが、よく分かりませんでした。舌が肥えていないですね。また、「山崎の名水」も試飲しましたが、まったくの無味でした。味がない水は初めての味覚でした。